Escuela Quiteña revolutionierte die Barockkunst zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert

In den Kolonialwerkstätten von Quito, zwischen Pinseln, Cochenille-Pigmenten und mit Hingabe geschnitztem Holz, entstand eine künstlerische Bewegung, die die Welt überraschte. Die „Escuela Quiteña de Arte“(Quito-Schule), die zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert ihre Blütezeit erlebte, war nicht nur der raffinierteste Ausdruck des amerikanischen Barocks, sondern war auch in Bezug auf Techniken, Dramatik und Farbigkeit den Strömungen voraus, die Jahrhunderte später Europa erschüttern sollten. Sie umfasste die lateinamerikanische koloniale Kunsttradition, die im Wesentlichen die Gesamtheit des professionellen künstlerischen Schaffens beherbergt, das während der spanischen Kolonialzeit (1542–1824) im Gebiet der Königlichen Audienz von Quito – von Pasto und Popayán im Norden bis Piura und Cajamarca im Süden – entstand .

Während Vincent van Gogh im 19. Jahrhundert die Kraft der Farbe erforschte, hatte man in den Anden bereits mit intensiven Farbtönen und Lichteffekten experimentiert, die diese Ausdruckskraft vorwegnahmen. Und bevor Goya die Rohheit menschlicher Emotionen verewigte, hatten Bildhauer wie Caspicara herzzerreißende Christusfiguren für die Altäre in Quito geschaffen. Der Ursprung dieser Tradition geht auf das Jahr 1551 zurück, als die Franziskaner in Quito eine Kunst- und Handwerksschule gründeten, um Indigene und Mestizen auszubilden. Dort begann ein Prozess der Akkulturation, in dem europäische katholische Symbole mit lokalen Elementen verschmolzen: Berge, Blumen, Tiere und Andenbräuche tauchten auf Leinwänden und religiösen Schnitzereien auf. Das Ergebnis war ein einzigartiger Barockstil, zutiefst spirituell, aber mit einer Mestizen-Identität.

Historische Studien belegen, dass die Schule von Quito dank der Qualität ihrer Werke und einer kaum zu übertreffenden technischen Virtuosität am spanischen Hof und in den Städten des Vizekönigreichs Berühmtheit erlangte. Es handelte sich nicht um eine zweitrangige oder den europäischen Werkstätten untergeordnete Kunst, sondern um ein Angebot, das sich auf Augenhöhe mit der westlichen Tradition messen konnte. Der um 1620 geborene Maler Miguel de Santiago gilt als unbestrittener Meister der Malerei aus Quito. Sein Werk zeichnet sich durch einen starken Hell-Dunkel-Kontrast aus, der es dem Tenebrismus von Caravaggio annähert, mit Szenen voller spiritueller Dramatik. Die Dominanz von Grau- und Dunkeltönen auf seinen Leinwänden vermittelte Besinnlichkeit, aber gleichzeitig offenbarte die Komposition eine für das koloniale Amerika

Seine anatomische Präzision machte ihn zu einem Künstler, der seiner Zeit voraus war. Die in seinen religiösen Serien porträtierten alten Menschen zeigen schlaffe Haut, Falten und Knochen, die mit einem naturalistischen Realismus dargestellt sind, der mit dem von Rembrandt vergleichbar ist. Anstatt die Figuren zu idealisieren, verlieh er ihnen Menschlichkeit und betonte die Zerbrechlichkeit des Fleisches im Kontrast zur Ewigkeit der Seele. Miguel de Santiago ging jedoch über die Nachahmung des europäischen Barocks hinaus. In mehreren seiner Gemälde probierte er Techniken aus, die Jahrhunderte später als impressionistisch identifiziert werden sollten. Schnelle Pinselstriche, Farbflecken, die Formen andeuteten, ohne sie genau zu beschreiben, Details, die im Hintergrund verschwammen, um Gesichter oder Licht hervorzuheben. Diese formale Kühnheit, die im kolonialen Kontext ungewöhnlich war, machte ihn zu einem Pionier. Wie Van Gogh zweihundert Jahre später versuchte er, Empfindungen zu vermitteln, anstatt die Realität originalgetreu wiederzugeben. Im Quito des 17. Jahrhunderts beschritt Santiago bereits einen Weg, den die Kunstgeschichte erst Jahrhunderte später anerkennen sollte.

Während die Malerei sich auf die Suche nach neuen Formen von Licht und Farbe begab, erreichte die Bildhauerei in Quito ein technisches Niveau, das selbst Europa in Erstaunen versetzte. Manuel Chili, bekannt als Caspicara, geboren 1723, spezialisierte sich auf polychrome Holzschnitzereien, die noch heute durch ihren Realismus überraschen. Seine gekreuzigten Christusse mit zerrissener Haut und angespannten Muskeln scheinen unter den Blicken der Betrachter zu leiden. Der Effekt wurde durch die Technik des Encarnado erzielt, ein in Quito entwickeltes Verfahren, bei dem mehrere Schichten Farbe und Lack auf den Gips aufgetragen wurden, um die Textur der menschlichen Haut genau nachzuahmen. Manchmal wurden unkonventionelle Materialien wie Lammblasen verwendet, um einen besonderen Glanz zu erzielen. Das Ergebnis war beeindruckend: Skulpturen, die lebendig wirkten und dazu bestimmt waren, zu bewegen und zu bekehren.

Bernardo de Legarda, ein weiterer großer Bildhauer der Schule von Quito, ist für seine berühmte Jungfrau der Apokalypse bekannt, die 1734 geschnitzt wurde. Diese geflügelte weibliche Figur mit ihrer wellenförmigen, ausdrucksstarken Bewegung entfernt sich von der klassischen Strenge und zeigt barocke Dynamik. Ihre Gewänder scheinen im Wind zu wehen, und ihr Gesicht strahlt inmitten der dramatischen Spannung der Komposition Gelassenheit aus. Zu seiner Zeit versicherten Chronisten, dass die Skulpturen aus Quito ohne Nachteile mit den europäischen konkurrieren könnten, und es gab auch Stimmen, die behaupteten, die Meister aus Quito seien Michelangelo ebenbürtig. Der Legende nach soll König Karl III. von Spanien sogar gesagt haben, dass Italien zwar Michelangelo habe, seine amerikanischen Kolonien aber Caspicara. Die Escuela Quiteña war auch in der Verwendung von Farben innovativ. Die Werkstätten verwendeten lokale Pigmente: intensive Rottöne aus Cochenille, Gelb- und Orangetöne aus Achiote, Grüntöne aus Mineralien und kalzinierten Knochen. Diese leuchtenden und satten Farbtöne verliehen den Werken eine für die damalige Zeit ungewöhnliche Ausdruckskraft. Jahrhunderte später revolutionierte Van Gogh die Malerei mit seinen leuchtenden Gelb- und Blautönen, überzeugt davon, dass Farben Stimmungen vermitteln können.

Der Dialog zwischen Quito und Europa entsteht auf natürliche Weise. Die Dramatik von Miguel de Santiago erinnert an Caravaggio, sein Realismus an Rembrandt, die Rohheit der Bilder von Caspicara steht in Verbindung mit dem Ausdrucksuniversum von Goya, und die Farbgebung der Werkstätten von Quito nimmt die Intensität von Van Gogh vorweg. Obwohl sie aus unterschiedlichen Kontexten stammen, teilen sie alle das Bestreben, den Betrachter durch Emotionen und den Bruch mit Normen zu bewegen. Diese Übereinstimmung bedeutet weder Kopie noch Abhängigkeit, sondern eine Gleichzeitigkeit menschlicher Bestrebungen, die den universellen Charakter der Escuela Quiteña offenbart. Das Erbe dieser Bewegung ist noch immer lebendig. Die Kolonialkirchen von Quito, die zum Weltkulturerbe gehören, bewahren Altarbilder, Skulpturen und Gemälde, die noch heute Besucher und Fachleute beeindrucken. Sie sind Zeugnisse einer kulturellen Vermischung, die nicht nur religiöse Frömmigkeit hervorbrachte, sondern auch künstlerische Innovationen vorantrieb.